Space Afrika, innovadores en música electrónica, fusionan los géneros UK Dance, Ambient, Alternativo, Trip-hop, Pop, Clásico Moderno y Experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, intérpretes y presentadores de NTS Radio, son conocidos por su sonido que desafía los géneros. El dúo, formado por Josh Inyang y Joshua Tarelle Reid, ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent To Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezando la lista de álbumes del año de Resident Advisor y obteniendo nominaciones de DJ Mag a mejor actuación en directo y mejor álbum. En 2021, Space Afrika se expandió al cine con Untitled (To Describe You), una colaboración con Tibyan Mahawah Sanoh, en la que exploran la realidad de la clase trabajadora negra británica en el norte de Inglaterra. Sus actuaciones en directo obtuvieron mayor reconocimiento, al ser nombrados uno de los 15 mejores directos de 2022 por Mixmag y aparecer en BBC Radio 1, BBC Radio 6 y BBC Radio 3 Late Junction. Han actuado en importantes salas y festivales de Europa y Norteamérica, como Gladstone Gallery (EE. UU.), Southbank Centre (Reino Unido) y Berlin Atonal (Alemania). En 2023, el dúo firmó con Warp Publishing y apareció en la portada de la edición “The Sound of England” de la revista The Face. 

FRANKIE o Franziska Aigner trabaja en la intersección entre la música, la performance y la filosofía. Tras estudiar en P.A.R.T.S., la escuela de coreografía y danza de Bruselas dirigida por Anne Teresa De Keersmaeker, trabajó con Anne Imhof en las performances Deal, Rage, Angst y Faust (galardonada con el León de Oro en la Bienal de Venecia de 2017) y Natures Mortes, además de actuar para William Forsythe, Mette Ingvartsen, Alexandra Bachzetsis y otros. Sus propias obras se han representado en el Kunstenfestivaldesarts/Bruselas, Die Liste/Basilea, Theatre de la Bastille/París, The Place/Londres, brut/Viena, HAU/Berlín, etc. En 2019, la música de Faust (de Anne Imhof, Billy Bultheel, Franziska Aigner y Eliza Douglas) se publicó en el sello berlinés PAN. Además, Franziska Aigner formó parte del conjunto vocal Holly Herndon, con el que realizó giras internacionales. Actúa en su proyecto en solitario (violonchelo y voz) bajo el nombre de FRANKIE. Sus dos EP en solitario, STYX (2022) y HEAVEN/HELL (2023), fueron publicados por el sello Shadow World. El EP Angelwhack, junto con la violista Battle-Ax (Beatrix Curran), fue publicado por Superpang en 2025. Es protagonista de la película City Child (2025), dirigida por Austin Jack Lynch.

Avantgardo es el último graduado del Instituto de Arte de San Francisco. Su obra se centra en la mercantilización de la subjetividad, la violencia en la publicidad y la espiritualidad inherente al consumo.

Avantgardo (Christian Aguilera) vive en Ciudad de México y es anfitrión de un bar con tema de aviación llamado Business, que él mismo diseñó. Nacido en la Ciudad de México en 1996, es el último heredero de una de las cantinas más emblemáticas de México. Creció mirando escaparates y tomando clases de artesanías con mujeres mayores. Abandonó la escuela de diseño a los 21 años y se graduó con honores en el departamento de Nuevos Géneros del Instituto de Arte de San Francisco en 2020. Avantgardo vive actualmente en la Ciudad de México, donde trabaja en un laboratorio abandonado con sus musas. Ha expuesto en varias ocasiones en el Salón Acme, la Material Art Fair y el Basel Social Club, y está representado por General Expenses, donde realizó su tercera exposición individual en otoño de 2023. La obra de Avantgardo forma parte de la Colección Taschen y de la Colección de la Familia Servais, y, según se informa, es el artista más joven que ha sido adquirido por la Fundación Jumex.

Kelman Duran es conocido principalmente por su contribución como productor y compositor de las canciones “I’m That Girl” y “Heated”, que abren el álbum Renaissance de Beyoncé, publicado en 2022, así como por su trabajo como compositor en la banda sonora de la película Rodeo, estrenada en 2022. [Duran ha creado ediciones y mezclas originales para NTS Radio en Londres y tiene un programa mensual titulado EDITS. Duran fue DJ residente en RAILUP, una fiesta underground mensual en Los Ángeles. Duran ha actuado en Mustache Mondays (Los Ángeles), UNSOUND (Polonia), Le Guess Who? (Utrecht), ELECTRIFY 17 (Budapest), The Hammer Museum, MOCA en Los Ángeles, No Sesso’s Club Night, PS1, Haus Der Kunst y la Tate Modern en Londres. En cuanto a la música, Duran lanzó 1804 Kids en 2017 a través de Hundebiss Records en Milán. Su primer álbum de larga duración se lanzó en diciembre de 2018 a través de Apocalipsis Records en Nueva York, que ocupó el puesto 28 en la lista de los mejores álbumes de 2018 de la revista FACT y el 9 en la lista de los mejores lanzamientos de 2018 de Boomkat. Ghost Ryder debutará en junio de 2025. Duran produjo “Bacardi Papi” para VV Pete, que ganó el premio SMAC de FBi Radio al Next Big Thing en 2025 en Australia.

Rosalia Namsai Engchuan es una antropóloga social y cineasta que trabaja con creadores de medios audiovisuales en el sudeste asiático. Tiene una maestría en Estudios Modernos del Sur y Sudeste Asiático por la Universidad Humboldt de Berlín y una licenciatura en Estudios Asiáticos y Gestión por la HTWG de Constanza, Alemania.

Rosalia se interesa especialmente en la forma en que los cineastas abordan las cuestiones sociales a través de sus prácticas artísticas. Ella misma utiliza el vídeo como canal creativo para reflexionar sobre su investigación teórica y su experiencia de la “realidad”. Su trabajo se ha proyectado en el Festival de Cine Asiático de Berlín y en el Festival de Cine Asiático Jogja-Netpac. Vinculando la investigación teórica y la práctica artística, actualmente trabaja en un proyecto multimedia que explora las posibilidades de elaborar argumentos académicos utilizando lenguajes audiovisuales.

Montika Kham-on es una artista y cineasta que trabaja entre Berlín y Bangkok. Explora su práctica a través de diversos medios, incluyendo vídeo, performance, instalación y escultura. Su trabajo investiga el miedo colectivo, los futuros especulativos y la lucha por las definiciones fuera de las narrativas dominantes, centrándose en los paisajes emocionales y el conocimiento encarnado. Sus obras cuestionan las estructuras cinematográficas tradicionales, desarrollando formas post-tropicales de pensar y actuar que redefinen la imaginación emancipadora y anticipan futuros liberados.

Sus obras recientes se han presentado en exposiciones y programas de proyección en Asia y Europa, incluyendo Transmediale Berlin y ArtScience Museum Singapore. Su obra reciente, Afterlives (2025), imagina un futuro postropical y fue encargada por GHOST:2568. Más allá de su práctica videográfica, Kham-on fundó Phimailongweek, un festival de arte específico para cada lugar que apoya a artistas emergentes a través de prácticas experimentales y sensibles al contexto. Ha recibido una beca del DAAD (Deutscher Akademischer Austauschdienst) y está cursando un máster en la Universidad de las Artes de Berlín (Universität der Künste Berlin).

Jeanne Penjan Lassus es una artista y cineasta afincada en Bangkok. Sus obras se inspiran en reflexiones sobre las percepciones sensoriales y la porosidad de los espacios y los cuerpos. Al indagar cómo nosotros, los seres humanos y otros seres, percibimos y damos sentido a nuestro entorno, la práctica de Lassus se centra en cómo nuestras percepciones dan forma a nuestras experiencias, nuestros lenguajes y la forma en que nos movemos y nos extendemos en el espacio.

El trabajo de Lassus se ha expuesto en diversos festivales y espacios artísticos, entre los que destacan Ghost 2568, una serie de vídeo y artes escénicas; el 7.º Festival de Cine Experimental de Bangkok; el Festival de Cine y Vídeo Experimental EXiS de Seúl; la Fundación Alserkal Arts de Dubái; y el Centro de Arte y Cultura de Bangkok. Participó en la Ocean Fellowship 2020, organizada por TBA21, y ha recibido la beca de investigación de la Alserkal Art Foundation 2020 y la beca de residencia para proyectos tempranos del Centro de Arte y Cultura de Bangkok 2019.

Rafael Lozano-Hemmer (nacido en 1967 en Ciudad de México) es un artista multimedia que trabaja en la intersección entre la arquitectura y la performance, creando obras participativas con tecnologías como luces robóticas, fuentes digitales y redes telemáticas. Sus instalaciones de luz y sombra han sido calificadas como “antimonumentos para la agencia alienígena”.

Fue el primer artista en representar a México en la Bienal de Venecia (2007) y ha expuesto en las principales bienales de todo el mundo. Entre sus encargos públicos se encuentran las celebraciones del milenio en Ciudad de México, los Juegos Olímpicos de Vancouver y la preinauguración del Guggenheim de Abu Dabi. Sus obras forman parte de las colecciones del MoMA, el Guggenheim, la Tate, el SFMOMA y Jumex.

Entre los premios que ha recibido se encuentran dos BAFTA por arte interactivo, un Golden Nica, el premio «Artista del año» de Wired y el Premio del Gobernador General (Canadá). Entre sus exposiciones individuales recientes se incluyen el Museo Hirshhorn, el Musée d’Art Contemporain de Montréal/SFMOMA, el Museo Crystal Bridges (“Listening Forest”), la Galería PACE de Nueva York y Abu Dhabi (“Translation Island”). Entre sus proyectos más destacados se incluyen “Atmospheric Memory” y “Border Tuner”, que conectan a participantes en ambos lados de la frontera entre Estados Unidos y México a través de la luz.

Oat Montien (nacido en 1989) (él/ellos) es uno de los artistas queer más destacados de Tailandia. Montien nació en Bangkok, donde su madre regentaba un exitoso burdel. Al crecer rodeado de trabajadoras sexuales, se encargó de la iluminación de sus espectáculos eróticos. Esta experiencia se manifiesta en sus obras, en las que utiliza el erotismo como alegoría poética de la compleja experiencia de las identidades marginadas. Sus obras abarcan diversos medios, como la escritura, el dibujo, la imagen en movimiento, la instalación específica para un lugar y la performance.

En 2022, fue seleccionado como primer artista del sudeste asiático para el programa de residencia de la emblemática Fundación Tom of Finland (Los Ángeles).

Montien también fundó la Galería Boddhisattava, el primer espacio artístico de Bangkok dedicado exclusivamente a artistas queer del sudeste asiático. En 2025 participó en la Bienal de Tailandia 2025 y ganó el premio «Pride Value Artist of the Year» otorgado por Bangkok Pride por su contribución al arte y al activismo tailandeses.

Nacido en 1976 en Singapur, donde vive y trabaja.

Arraigado en las historias, mitologías e impulsos políticos del sudeste asiático, la práctica audiovisual multifacética de Ho Tzu Nyen fusiona narrativas guionadas y aprendizaje automático para dar forma a entornos que exploran el legado colonial de la región, su espíritu de resistencia y sus estrategias de ambigüedad.

Se han celebrado exposiciones individuales de su obra en la Hamburger Kunsthalle (2025), LUMA Arles (2025), Mudam Museum of Modern Art (2025), Hessel Museum of Art (2024), Art Sonje Center (2024), Museum of Contemporary Art Tokyo (2024), Singapore Art Museum (2023), Hammer Museum (2022), Toyota Municipal Museum of Art (2021), Crow Museum of Asian Arts (2021), Yamaguchi Center for Arts and Media [YCAM] (2021), Edith-Russ-Haus for Media Art (Oldenburg, 2019), Kunstverein in Hamburg (2018), Ming Contemporary Art Museum [McaM] (Shanghái, 2018), Archivo de Arte Asiático (2017), Guggenheim Bilbao (2015), Museo de Arte Mori (2012) y The Substation (Singapur, 2003). Representó al Pabellón de Singapur en la 54.ª Bienal de Venecia (2011).  

Ho Tzu Nyen ha sido nombrado director artístico de la Bienal de Gwangju 2026.

Nacido en Chon Buri, Tailandia, Tulapop Saenjaroen es un artista y cineasta cuya práctica abarca la imagen en movimiento, la performance y el sonido. Sus cortometrajes recientes cuestionan la relación entre la producción de imágenes y la formación de la subjetividad, así como las paradojas entre el control y la libertad en el capitalismo tardío. A través de la narrativa, la animación y el cine ensayístico, explora temas como el turismo, el autocuidado, las enfermedades mentales, el trabajo gratuito, las relaciones de poder en la narración, la ruptura metafísica y el propio cine mediante procesos de reelaboración y reinterpretación de las imágenes y sus redes.

Las obras de Saenjaroen se han exhibido internacionalmente en festivales como la Berlinale, el Festival de Cine de Locarno,  el Festival de Cine de Nueva York; Cinéma du réel, París; MoMA doc fortnight; DOK Leipzig; IFF Oberhausen; IFFR; European Media Art Festival; Carpenter Center, Harvard; REDCAT, Museum of the Moving Image, Nueva York; Ghost 2565: Live Without Dead Time; Abandon Normal Devices; e-flux screening room; M+, etc.

Saenjaroen vive y trabaja en Tailandia.

Harit Srikhao (nacido en 1995, Bangkok) vive en Pathumtani. Arraigado en el pensamiento fotográfico, su práctica abarca múltiples medios y se basa en las relaciones inherentes a la composición de la creación de imágenes. Desde diarios fotográficos de momentos fugaces hasta montajes escenificados, Srikhao aborda temas interconectados que abarcan la estética del poder y la autonomía corporal. 

Para Srikhao, la fotografía funciona como un método para abordar los retrasos en la comprensión, la aceptación y la recomposición de las relaciones dentro del mundo. Este enfoque está impulsado por un intenso esfuerzo por lidiar con su experiencia personal de ser tanto sujeto como objeto: renunciar al control sobre la propia imagen, luchar por recuperar la propia agencia y el proceso de darle un cuerpo.

Se licenció en Bellas Artes en el Instituto Tecnológico Rey Mongkut de Ladkrabang, en Bangkok, y obtuvo un máster en Bellas Artes en la Nuova Accademia di Belle Arti de Milán. Su obra forma parte de varias colecciones de museos internacionales, entre ellos el Musée de l’Elysée (Photo Elysée) de Lausana, el Foam Photography Museum de Ámsterdam y el Kiyosato Museum of Photographic Arts de Yamanashi.

Desde 2007, Alessandro Sciarroni diseña producciones que fusionan las artes escénicas y visuales. Formado en bellas artes y con una amplia experiencia sobre el escenario, adopta un enfoque conceptual y teatral, incorporando técnicas y prácticas derivadas de la danza y disciplinas afines, como los deportes y las artes circenses. Sus obras se basan en la repetición de prácticas que ponen a prueba la resistencia física de los bailarines en un intento por revelar las obsesiones, los miedos y la fragilidad de la interpretación. Este proceso busca crear una nueva dimensión temporal y un vínculo de empatía entre los intérpretes y los espectadores. Colaborador en diversos proyectos y redes artísticas internacionales, Alessandro Sciarroni es invitado regularmente a presentar sus obras en todo el mundo. En 2019 fue galardonado con el León de Oro a la Trayectoria Artística en Danza en la Bienal de Danza de Venecia. Alessandro Sciarroni es artista asociado de MARCHE TEATRO.

Tino Sehgal (nacido en 1976 en Londres) vive y trabaja actualmente en Berlín. Es conocido por  su práctica artística radical que adopta la forma de “situaciones construidas”: encuentros en vivo entre los visitantes y quienes interpretan la obra. Su belleza efímera reside en la fugacidad del encuentro, en el que los intérpretes suelen involucrar a los visitantes para que participen activamente en la construcción de la obra. El abandono de Sehgal de la producción material en favor de la experiencia vivida se logra, sin embargo, con una sensibilidad hacia las consideraciones clásicas de la forma, la composición y el espacio, basada no solo en la historia de la danza, sino también en las tradiciones occidentales de la escultura y la pintura. 

Entre sus proyectos se incluyen la co-curación de A Prelude to the Shed (2018) y exposiciones individuales en importantes instituciones como el Museo De Pont (2025), el Centro Botín (2023), el Remai Modern (2022), la Fundación V-A-C (2017), la Tate Modern (2012) y el Museo Solomon R. Guggenheim (2010).

Wannawat Suwannarath (con sede en Bangkok, Tailandia) es un cineasta independiente y artista multidisciplinar que trabaja principalmente con imágenes en movimiento y sonido. Su práctica explora los estados de transición, los paisajes interiores y los momentos de inestabilidad a través de narrativas no lineales y atmosféricas. A través de su obra, reflexiona sobre la frágil tensión entre la quietud y el cambio, la presencia y la ausencia, a menudo abordando las heridas internas que coexisten con la persistencia del yo.

Nacida en Poole, Inglaterra, Melanie Smith obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Reading, donde estudió pintura. En 1989, se unió a una comunidad internacional de artistas y escritores en la Ciudad de México. Su obra fue incluida en la primera exposición de arte de instalación en México, curada por Guillermo Santamarina en el Museo de Sitio del Ex Convento del Desierto de los Leones. Desde entonces, la ciudad ha desempeñado un papel importante en su obra; ha producido instalaciones, vídeos, películas, fotografías y pinturas en las que reflexiona sobre la densidad poblacional y las estructuras de la Ciudad de México, su producción de residuos, y su infinita entropía y reconstrucción. Estas preocupaciones se equilibran con el interés de Smith por el legado del modernismo y los movimientos posvanguardistas tal y como se manifiestan en América Latina.

La obra de Melanie Smith se ha expuesto en importantes exposiciones, entre ellas el Pabellón de México en La Biennale di Venezia, Venecia, Italia (2011); Farsa y Artificio, MACBA, Barcelona, España (2018); MUAC y Museo Amparo, México (2019); MARCO, Monterrey, México (2020); el Pérez Art Museum Miami (PAMM), Florida, EE. UU. (2008); el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD), California, EE. UU. (2004); y el MIT List Visual Arts Center, Massachusetts, EE. UU. (2009).

Su obra forma parte de colecciones internacionales como las del MoMA, Nueva York; Tate Modern, Londres; Museo Jumex, Ciudad de México; Museo Boijmans Van Beuningen, Róterdam; Instituto Inhotim, Brasil; y Daros Latinamerica, Zúrich.

Kianí del Valle es una bailarina, coreógrafa, directora y comisaria de performances afincada en Berlín, originaria de San Juan, Puerto Rico, con experiencia profesional en Nueva York, Montreal, Londres, Los Ángeles y Copenhague. Impulsada por conceptos antropológicos, biológicos y sociológicos, la obra de Kianí fusiona las líneas de la danza contemporánea y el arte performativo con el cine, la fotografía, la arquitectura, la cultura pop, la tecnología y el sonido. Su práctica encarnada se guía por la interdependencia del acto de agotamiento físico, el ritmo intuitivo, la meditación en movimiento, las prácticas rituales, los viajes migratorios y las experiencias paranormales. Kianí ha estado de gira con sus obras durante la última década y es la fundadora y directora artística del KDV Performance Group.

West tiene una maestría en Bellas Artes por el Bard College y una licenciatura en Bellas Artes por la Cooper Union. Su obra ha sido presentada, entre otros, por el SculptureCenter y la Bienal Performa 2023. Ha sido investigadora en la División de Danza Jerome Robbins de la Biblioteca Pública de Nueva York y artista residente en Movement Research. Además, West es cofundadora de Pageant, un espacio en Brooklyn que presenta actuaciones de coreógrafos emergentes.

Entre sus obras recientes se incluyen: Jawbreaker Part 1 Part 2 en 99 Canal, Nueva York, NY (2025); Jawbreaker Part 1 Part 2 en Pageant, Brooklyn, NY (2025); Rehearsals: Alexa West en SculptureCenter, Queens, NY (2024); A Lounge, a Lobby en Lomex, Nueva York, NY (2024); Gossip en el Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, CT (2024); Occasion, Occasion, Occasion en Untitled Art Fair, Miami, FL (2023); Occasion, Occasion, Occasion en la Performa Biennial, Nueva York, NY (2023); Department of Aging en 99 Canal, Nueva York, NY (2023); Procession en Pageant, Brooklyn, NY (2023); y Pumpjack, presentado por Octagon (Moira Sims) en 3390 Broadway, Nueva York, NY (2022).