Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: 6-9 pm

Entrada: Gratuita

La inauguración de TONO 2025 se celebra en el Laboratorio Arte Alameda, donde se expondrán instalaciones de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Daniel Steegmann Mangrané y Luiz Roque.

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Photo: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: 7 pm

Entrada: Gratuita

Organizado en colaboración con Sophie Cavoulacos, curadora de cine del Museo de Arte Moderno de Nueva York, este programa presenta las recientes películas Pacific Club (2023) y To Exist Under Permanent Suspicion (2024) del artista y cineasta Valentin Noujaïm. En 1979, el Pacific Club abrió sus puertas en un sótano de La Défense, el distrito financiero de París. Fue el primer club nocturno para jóvenes árabes de los suburbios: un mundo paralelo de baile, sudor, amoríos de juventud y romances de una noche. Azedine era uno de ellos. Cuenta la historia olvidada de su generación en Pacific Club. To Exist Under Permanent Suspicion sigue la historia de Claire, una empresaria promotora de un nuevo rascacielos de oficinas en La Defense, que se enfrenta a un escrutinio y un aislamiento crecientes. Las oficinas frías y grises amplifican su soledad y le hacen soñar vívidamente con prender fuego a la torre. La proyección irá seguida de una sesión de preguntas y respuestas con el artista.

Foto: Valentin Noujaïm, Pacific Club, 2023

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: 6:30 pm

Entrada: Gratuita

Para el Festival TONO 2025, Jota Mombaça presentará la primera iteración de un proyecto de tres años de duración para una ópera geo-onto-lógica. Basándose en la teoría elemental, la ficción visionaria y la investigación sonora, el proyecto reunirá voces de cantantes y otros profesionales de la voz de diferentes regiones del mundo, mientras estudia los límites de la subjetividad humana en relación con las liminalidades climáticas y ecológicas.

El capítulo mexicano del proyecto analizará la crisis hidrológica en la Ciudad de México, remezclando el sonido de la infraestructura hidropolítica, grabaciones submarinas y las voces de un grupo de colaboradores locales que participarán en una residencia de tres semanas junto con Mombaça. Corriendo hacia la asamblea de las cosas se estrenará en directo durante el Festival TONO de 2025, en colaboración con Casa del Lago, y más tarde se transformará en una instalación sonora adaptada al lugar que se presentará en WIELS, Bruselas.

Foto: Jota Mombaça, Thus we disappear (así desaparecemos), 2019-rev 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: 7 pm 

Entrada: Gratuita

Eartheater es una artista, multiinstrumentista, compositora y vocalista afincada en Nueva York que destila un rango vocal de tres octavas, producción digital experimental y composición clásica en obras que se encuentran suspendidas entre la abstracción sónica y la lucidez cautivadora. Freeka Tet es un artista digital y mercenario creativo que trabaja en el ámbito del arte experimental. Su práctica combina objetos, prótesis, animatrónica, hacking, codificación, electrónica, plunderphonics de audio y vídeo, bricolaje y trabajo basado en la performance. Inspirándose en la cultura de Internet, los memes, los troles y el comportamiento social irracional de los humanos, Tet reinterpreta los elementos con los que entra en contacto, difuminando la expresión creativa con la ejecución técnica.

Eartheater y Freeka Tet son amigos desde hace años y siempre han hablado de colaborar. En el Festival TONO 2025, encontraron el momento adecuado. Durante una noche, presentarán una nueva obra de vídeo y una actuación en directo.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: 14:00 – 18:00

Entrada: con entrada al museo

Concebida como un espacio de sinfonías mutables, Aguas Frescas, coproducida con Mudam, Luxemburgo, se basa en la tradición mexicana de beber horchatas y otras aguas frescas como metáfora de la colectividad. La performance consiste en una pieza colaborativa y evolutiva: una «fuente de poesía» alimentada por las contribuciones de poetas, artistas, músicos, bailarines y performers invitados y que trabajan con Bárbara Sánchez-Kane. Tras el estreno en TONO, la representación viajará al Mudam para representaciones los días 17 y 18 de mayo.

Se llevará a cabo una serie de performances en el Museo Anahuacalli durante el horario de apertura del museo el sábado 29 de marzo y el domingo 30 de marzo.

Colaboradores de la performance del 29 de marzo: Diles que no me maten, Luis Felipe Fabre, Susana Vargas y Ana G. Zambrano.
Colaboradores de la performance del 30 de marzo: Luisa Almaguer, Abraham Cruzvillegas, Darío Acuña Fuentes-Beraín y Ariane Pellicer.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: 14:00 – 18:00

Entrada: con entrada al museo

Concebida como un espacio de sinfonías mutables, Aguas Frescas, coproducida con Mudam, Luxemburgo, se basa en la tradición mexicana de beber horchatas y otras aguas frescas como metáfora de la colectividad. La performance consiste en una pieza colaborativa y evolutiva: una «fuente de poesía» alimentada por las contribuciones de poetas, artistas, músicos, bailarines y performers invitados y que trabajan con Bárbara Sánchez-Kane. Tras el estreno en TONO, la representación viajará al Mudam para representaciones los días 17 y 18 de mayo.

Se llevará a cabo una serie de performances en el Museo Anahuacalli durante el horario de apertura del museo el sábado 29 de marzo y el domingo 30 de marzo.

Colaboradores de la performance del 29 de marzo: Diles que no me maten, Luis Felipe Fabre, Susana Vargas y Ana G. Zambrano.
Colaboradores de la performance del 30 de marzo: Luisa Almaguer, Abraham Cruzvillegas, Darío Acuña Fuentes-Beraín y Ariane Pellicer.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: 8 pm

Entrada: Gratuita

Adam Linder: Mothering The Tongue es una performance-lectura en la que Linder baila mientras reflexiona sobre la práctica de la «danza libre» y las capas de experiencia de baile que emergen en tiempo real. El texto de Linder entrelaza ingredientes teóricos, culturales y personales que contribuyen a una «escritura en tiempo real», a la que luego responde físicamente, impulsado por una variedad de música que va desde Bach hasta Sinéad O’Connor. A diferencia de sus obras para el teatro y el espacio expositivo, que se presentan de forma vibrante, Mothering The Tongue es un escenario despojado, una invitación a una mentalidad que puede producir posibilidades eléctricas para la encarnación espontánea.

Esta presentación es posible gracias al apoyo de Dance Reflections de Van Cleef & Arpels.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Organizado en colaboración con Sophie Cavoulacos, curadora de cine del Museo de Arte Moderno de Nueva York, este programa de cortometrajes de la colección del MoMA recorre los colectivos de artistas icónicos del centro de Nueva York a principios de los años ochenta. Esta selección de películas en 16 mm y Super 8 explora las escenas artísticas y musicales de vanguardia de la época al capturar figuras y lugares de reunión de la neobohemia, el punk rock y la no wave. Desde la película de Anthony Chase que sigue la personalidad drag de John Kelly y su actuación en el club Pyramid hasta el retrato de Tina L’Hotsky, la llamada Reina del Mudd Club, de Michael Oblowitz, pasando por la serie Lost Portrait del cineasta mexicano Ricardo Nicolayevsky, filmada entre Nueva York y Ciudad de México, el programa comparte el espíritu de aquel momento dinámico de Nueva York.

Artistas participantes y biografías (por orden de proyección):

Richard Kern es un cineasta, escritor y fotógrafo underground estadounidense. Contribuyó con un número significativo de las películas y vídeos más provocativos de la escena underground de los años 80. Satírico social de la peor calaña, realiza obras que son a la vez perversas, sádicas, teatralmente extrañas y de humor negro, persiguiendo su interés por las vidas extremas y su fascinación por la «geografía de rostros y cuerpos». En su obra aparecen artistas como Lydia Lunch, David Wojnarowicz, Sonic Youth, Kembra Pfahler, Karen Finley y Henry Rollins.

Anders Grafstrom fue un cineasta que, junto con el icono de la new wave Klaus Nomi, fue una de las primeras víctimas de la escena del downtown neoyorquino, a causa de un accidente de tráfico y el sida, respectivamente. Las películas en Super8 de Grafstrom devuelven a Nomi a la pantalla, incluido el trabajo en el programa que presenta una prueba de pantalla fuera de lugar pero tremendamente evocadora para Charles Ludlam. También trabajó con Kristian Hoffman, Tina L’Hotsky y otros. También realizó el exitoso largometraje The Long Island Four.

Michael Oblowitz es cineasta. Nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, y se fue a Estados Unidos a estudiar a finales de los 70. Ha realizado varias películas independientes, algunas de las primeras películas independientes hechas en Estados Unidos. Trabajando junto a artistas como Jim Jarmusch y Amos Poe, realizó películas en blanco y negro de 16 milímetros a finales de los 70 y principios de los 80 que se convirtieron en parte de la nueva escena punk rock. Muchas acabaron en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Lisa Baumgardner ue artista, cineasta y editora de la revista Bikini Girl. También fue miembro organizadora del Club 57 (1978-1983), un club nocturno y espacio de arte alternativo y uno de los lugares fundacionales en el desarrollo de la tan mitificada escena artística de principios de los 80 en el East Village.

Esther Regelson es cineasta y fue miembro activo de la escena del East Village de Nueva York. Visitaba con frecuencia el Club 57 (1978-1983), que estaba situado en el sótano de una iglesia polaca en el número 57 de St. Marks Place y que comenzó como un local sin presupuesto para exposiciones de música y cine, y rápidamente ocupó un lugar destacado en una constelación de locales contraculturales en el centro de Nueva York. Se dice que el Club 57, un centro de actividad creativa en el East Village, influyó en prácticamente todos los clubes que surgieron a su paso.

Anney Bonney es una artista, cineasta, profesora, escritora y comisaria de vídeo y performance afincada en Nueva York. A finales de los 70, expuso ampliamente en clubes nocturnos del bajo Manhattan (The Mudd Club, Club 57, Stilwend), así como en instituciones más formales (The Ford Foundation y el Brooklyn Museum). En 1984 comenzó a trabajar en la revista BOMB, donde todavía colabora.

Ricardo Nicolayevsky fue un cineasta mexicano. En la década de 1980 se mudó a Nueva York y estudió cine, música y escritura creativa. Fue un elemento fijo de la escena del East Village en la década de 1980 y creó cientos de cortometrajes, para los que también compuso la música. 

John Kelly and Anthony Chase eran colaboradores frecuentes y formaban parte de la escena del centro de Nueva York en el East Village. Chase era cineasta y John Kelly era artista y drag queen. Durante esta época, trabajaron juntos en proyectos en lugares como el emblemático Pyramid Club.

Foto: John Kelly y Anthony Chase. The Dagmar Onassis Story. 1984, Cortesía The Museum of Modern Art, New York 

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: 7 pm

Entrada: Gratuita

Sequedad sobrenaturalizada responde a la exposición del mismo nombre de Delia Beatriz, en la que reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. La obra traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

En este concierto–presentados en formato de misa–la iglesia misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. En esta performance en vivo, replantea la música sacra no como reliquia dogmática, sino como un testimonio dinámico de resiliencia: un llamado a persistir, crear e imaginar frente a la desolación física y espiritual.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: 7 pm

Entrada: Gratuita

Sequedad sobrenaturalizada responde a la exposición del mismo nombre de Delia Beatriz, en la que reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. La obra traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

En este concierto–presentados en formato de misa–la iglesia misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. En esta performance en vivo, replantea la música sacra no como reliquia dogmática, sino como un testimonio dinámico de resiliencia: un llamado a persistir, crear e imaginar frente a la desolación física y espiritual.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 4 de febrero al 8 de junio

El Museo Anahuacalli y TONO se complacen en presentar “¿Cómo se escribe muerte al sur?”, una exposición a dúo de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas. El trabajo de ambas artistas responde a la imaginación fantasmagórica del museo.

El Anahuacalli fue creado por Diego Rivera como un templo para el arte que albergaría su colección de piezas prehispánicos y como un sitio donde esperaba ser enterrado al morir. A través de instalaciones de video y sonido, escultura y pintura, las artistas transformarán el museo en escenario de un thriller ficticio que mezcla visiones personales sobre la muerte con los símbolos incrustados en este enigmático museo/monumento/mausoleo.

Ambas artistas se inspiran en la arquitectura del Anahuacalli y su paisaje circundante para construir sus propias mitologías y un elenco de espectros. Reflexionando sobre los escritos del filósofo ruso del siglo XIX Nikolai Fyodorov, Fusilier busca traducir algunas de las teorías sobre el biocosmismo a la colección del museo. Explorando la creencia de Fyodorov de que la muerte no es natural, sino un defecto en el diseño de los seres humanos y algo que puede superarse por medios tecnológicos y científicos, Carolina construye cuerpos biocósmicos a través de una nueva serie de obras. Así, materializa de manera lúdica y especulativa las excéntricas teorías de Fyodorov, y crea conjuntos de pinturas/esculturas que representan algún tipo de maquinaria para revivir la vida, pinturas en forma de pirámide que parecen una continuación de las puertas del museo. De igual manera una serie de videos abstractos realizados por el artista y colaborador Miko Revereza, explora formas de color sensorial en VHS. Asimismo, la instalación principal “Jardín resucitado” se basa en plantas secas encontradas en el museo y que son animadas a través de motores mecatrónicos.

Mientras que el Anahuacalli evoca un conjunto específico de fantasmas, los museos en general funcionan como mausoleos. Sin embargo, los museos también pueden operar como máquinas de resurrección al contextualizar objetos a través de nuevas exposiciones. A través de una constelación de nuevas obras, incluyendo videos, murales y maquetas cerámicas, Paloma Contreras Lomas continúa explorando una pregunta presente en gran parte de su trabajo: ¿qué pasaría si el paisaje pudiera contar su propia historia? Con fuerte inspiración en la ciencia ficción latinoamericana y en películas de terror B, Paloma construye un universo de espectros, criaturas fantásticas y sacrificios para reflejar lo que identifica como el mito de la modernidad. Juntas, Paloma y Carolina buscan establecer puentes místicos que articulen sus nociones de inmortalidad con un futurismo mesoamericano cruzado e interrumpido por la modernidad occidental.

Foto: Paloma Contreras Lomas, Virgilio, 2025

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

Foto: Daniel Steegmann Mangrané, Drench, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Delia Beatriz reimagina las tradiciones corales carmelitas y monásticas a través del lente de la “sequedad sobrenaturalizada”, la aridez espiritual central en las enseñanzas de Santa Teresa de Ávila y de otros místicos carmelitas. Esta “sequedad sobrenaturalizada” refleja el viaje del alma a través de la oscuridad, donde la presencia divina no se percibe mediante el consuelo emocional, sino a través de la voluntad disciplinada de persistir más allá del deseo. Esta instalación sonora y música original traza un paralelo entre esta lucha mística y la resiliencia histórica de mujeres como Santa Teresa, Sor Juana Inés de la Cruz y las 16 monjas carmelitas martirizadas durante la Revolución Francesa—figuras que desafiaron la Inquisición, opresión patriarcal, colonial e institucional para abrir caminos de resistencia artística, intelectual y espiritual.

El museo, como antigua iglesia, misma se convierte en una metáfora: su arquitectura y su acústica son reformuladas para reflejar los espacios disputados que estas mujeres recorrieron—donde la música sacra fungía tanto como herramienta de hegemonía colonial como vehículo subversivo de belleza sincrética. Al hacerlo, el proyecto investiga cómo la resonancia (sónica, espiritual e ideológica) persiste incluso en la ausencia de consuelo, de forma similar a la fe que florece en el vacío del sentimiento. Al abordar esta “sequedad sobrenaturalizada” en una reinterpretación contemporánea de la música sacra, la obra subraya el poder perdurable de la creatividad y la devoción—un eco de las voces inquebrantables que siguen transformando los límites institucionales en espacios de imaginación radical y creencia firme.

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de “hiperrealidad” que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los “fantasmas” que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

Foto: Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir, 2021

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 25 de marzo al 15 de junio.

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paraíso explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

Foto: Luiz Roque, Clube Amarelo, 2024

Tiempo: horario del museo

Entrada: con entrada al museo

Esta exposición se extiende más allá de las fechas del festival. Se puede visitar del 1 de marzo al 5 de mayo.

Más información en la página web del museo.

Saodat Ismailova es una cineasta y artista uzbeka que teje recuerdos, mitos, rituales y sueños en el tapiz de la vida cotidiana. Ismailova, que creció en Asia Central como parte de la primera generación postsoviética, ha hecho de la región el tema de su trabajo al investigar sus culturas y geografías históricamente complejas y estratificadas. Abismo entre dos montañas reúne películas, instalaciones y materiales tejidos para explorar el papel de las montañas dentro de su obra, examinándolas como confluencias entre varios continuos temporales. La montaña y su atracción vertical evocan una sensación de tiempo místico, una fuerza contraria a la trayectoria en constante expansión y avance de la modernidad y la historia reciente. 

Basándose en su historia personal, sus conocimientos ancestrales y las historias orales de mujeres, crea imágenes hipnóticas que nos transportan a los espacios entre montañas, lugares marcados por transiciones geológicas y artefactos culturales: la estepa de Asia central, las orillas del río Amu Darya y la montaña sagrada de Sulaiman-Too, el lugar de culto más antiguo de la región. El cementerio zoroastriano de Chillpiq aparece en varias de las obras y sirve de puente entre los hilos del tiempo. Combinando nuevas secuencias de vídeo con material de archivo en obras como Mientras nos desvanecemos (2024), explora cómo los sistemas de conocimiento han sido suprimidos e incluso borrados por la modernidad globalizada y las ecologías amenazadas. Para reflexionar sobre este vacío, o lo que el teórico mexicano post/decolonial Rolando Vázquez llama “un abismo de borradura”, Ismailova “inscribe un gesto de esperanza, la esperanza de re-membrar como conciencia y la esperanza de transmisión frente al artificio”. Desde proyectar sobre seda y dejar que una imagen se difumine en el tejido hasta crear instalaciones multicanal apiladas, utiliza el aparato cinematográfico para suturar cualquier vínculo roto entre el paisaje y la memoria histórica y transmitir una sensación circular del tiempo.

Foto: Saodat Ismailova, Melted into the Sun, 2024