Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: 4 – 8 pm 

Entrada: Gratuita

Acompáñenos en la inauguración del Festival TONO 2026 en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo con un evento especial de Tino Sehgal. De 4 a 7 de la tarde, tres bailarines se entregarán a la música de Ludwig van Beethoven y traducirán el entusiasmo que emana de ella en encuentros físicos como parte de la obra de Sehgal «This joy».

«This joy» irá seguida de un cóctel ofrecido por 1800 Tequila para celebrar el inicio de TONO 2026.

Viernes, 6 de marzo, Tiempo: 16:00 – 19:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Sábado, 7 de marzo; Tiempo: 16:00 – 19:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Domingo, 8 de marzo & martes, 10 de marzo; Tiempo: 14:00 – 17:00; Casa De La Acequia

En «This Joy», tres bailarines se entregan a la música de Ludwig van Beethoven y traducen el entusiasmo que esta transmite en encuentros físicos.

«Todas las criaturas beben de la alegría / En los pechos de la naturaleza / Todos los justos, todos los malvados / Siguen su rastro de rosas». La «Oda a la alegría» de Schiller se convirtió en un himno a la vida gracias a la composición de Beethoven, impregnada de alegría, terrenal y espiritual, profundamente conmovedora y abierta al mismo tiempo. El análisis de Tino Sehgal de seis piezas de Beethoven bajo el título «This Joy» sigue el rastro de la alegría en las composiciones de Beethoven, que a menudo dan la impresión de abrirse a lo efímero y comprometerse con lo inesperado. Junto con ocho bailarines, Tino Sehgal ha reinterpretado las piezas que ha seleccionado, les ha dotado de una voz cantante y se enfrenta a cada composición con una coreografía para una sola parte del cuerpo. La traducción de Sehgal de la música en encuentros físicos es al mismo tiempo un encuentro de los visitantes entre sí y con los insólitos espacios.»

Este proyecto se creó por primera vez para el Kunsthistorische Museum de Viena en 2020. TONO celebra su estreno en México. Esta presentación de la obra de Tino Sehgal es una colaboración con el museo MAZ, donde el artista acaba de clausurar una exposición.

Se presentará en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo los días 6 y 7 de marzo y en Casa de la Acequia de las instalaciones los días 8 y 10 de marzo.

«This Joy» es una realización de Vera Pulido, Justin Kennedy y Zuriñe Benavente, con el apoyo en la producción de Cora Gianolla.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Viernes, 6 de marzo, Tiempo: 16:00 – 19:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Sábado, 7 de marzo; Tiempo: 16:00 – 19:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Domingo, 8 de marzo & martes, 10 de marzo; Tiempo: 14:00 – 17:00; Casa De La Acequia

En «This Joy», tres bailarines se entregan a la música de Ludwig van Beethoven y traducen el entusiasmo que esta transmite en encuentros físicos.

«Todas las criaturas beben de la alegría / En los pechos de la naturaleza / Todos los justos, todos los malvados / Siguen su rastro de rosas». La «Oda a la alegría» de Schiller se convirtió en un himno a la vida gracias a la composición de Beethoven, impregnada de alegría, terrenal y espiritual, profundamente conmovedora y abierta al mismo tiempo. El análisis de Tino Sehgal de seis piezas de Beethoven bajo el título «This Joy» sigue el rastro de la alegría en las composiciones de Beethoven, que a menudo dan la impresión de abrirse a lo efímero y comprometerse con lo inesperado. Junto con ocho bailarines, Tino Sehgal ha reinterpretado las piezas que ha seleccionado, les ha dotado de una voz cantante y se enfrenta a cada composición con una coreografía para una sola parte del cuerpo. La traducción de Sehgal de la música en encuentros físicos es al mismo tiempo un encuentro de los visitantes entre sí y con los insólitos espacios.»

Este proyecto se creó por primera vez para el Kunsthistorische Museum de Viena en 2020. TONO celebra su estreno en México. Esta presentación de la obra de Tino Sehgal es una colaboración con el museo MAZ, donde el artista acaba de clausurar una exposición.

Se presentará en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo los días 6 y 7 de marzo y en Casa de la Acequia de las instalaciones los días 8 y 10 de marzo.

«This Joy» es una realización de Vera Pulido, Justin Kennedy y Zuriñe Benavente, con el apoyo en la producción de Cora Gianolla.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Viernes, 6 de marzo, Tiempo: 16:00 – 19:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Sábado, 7 de marzo; Tiempo: 14:00 – 17:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Domingo, 8 de marzo & martes, 10 de marzo; Tiempo: 14:00 – 17:00; Casa De La Acequia

En «This Joy», tres bailarines se entregan a la música de Ludwig van Beethoven y traducen el entusiasmo que esta transmite en encuentros físicos.

«Todas las criaturas beben de la alegría / En los pechos de la naturaleza / Todos los justos, todos los malvados / Siguen su rastro de rosas». La «Oda a la alegría» de Schiller se convirtió en un himno a la vida gracias a la composición de Beethoven, impregnada de alegría, terrenal y espiritual, profundamente conmovedora y abierta al mismo tiempo. El análisis de Tino Sehgal de seis piezas de Beethoven bajo el título «This Joy» sigue el rastro de la alegría en las composiciones de Beethoven, que a menudo dan la impresión de abrirse a lo efímero y comprometerse con lo inesperado. Junto con ocho bailarines, Tino Sehgal ha reinterpretado las piezas que ha seleccionado, les ha dotado de una voz cantante y se enfrenta a cada composición con una coreografía para una sola parte del cuerpo. La traducción de Sehgal de la música en encuentros físicos es al mismo tiempo un encuentro de los visitantes entre sí y con los insólitos espacios.»

Este proyecto se creó por primera vez para el Kunsthistorische Museum de Viena en 2020. TONO celebra su estreno en México. Esta presentación de la obra de Tino Sehgal es una colaboración con el museo MAZ, donde el artista acaba de clausurar una exposición.

Se presentará en Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo los días 6 y 7 de marzo y en Casa De La Acequia de las instalaciones los días 8 y 10 de marzo.

«This Joy» es una realización de Vera Pulido, Justin Kennedy y Zuriñe Benavente, con el apoyo en la producción de Cora Gianolla.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Viernes, 6 de marzo, Tiempo: 16:00 – 19:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Sábado, 7 de marzo; Tiempo: 14:00 – 17:00; Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Domingo, 8 de marzo & martes, 10 de marzo; Tiempo: 14:00 – 17:00; Casa De La Acequia

En «This Joy», tres bailarines se entregan a la música de Ludwig van Beethoven y traducen el entusiasmo que esta transmite en encuentros físicos.

«Todas las criaturas beben de la alegría / En los pechos de la naturaleza / Todos los justos, todos los malvados / Siguen su rastro de rosas». La «Oda a la alegría» de Schiller se convirtió en un himno a la vida gracias a la composición de Beethoven, impregnada de alegría, terrenal y espiritual, profundamente conmovedora y abierta al mismo tiempo. El análisis de Tino Sehgal de seis piezas de Beethoven bajo el título «This Joy» sigue el rastro de la alegría en las composiciones de Beethoven, que a menudo dan la impresión de abrirse a lo efímero y comprometerse con lo inesperado. Junto con ocho bailarines, Tino Sehgal ha reinterpretado las piezas que ha seleccionado, les ha dotado de una voz cantante y se enfrenta a cada composición con una coreografía para una sola parte del cuerpo. La traducción de Sehgal de la música en encuentros físicos es al mismo tiempo un encuentro de los visitantes entre sí y con los insólitos espacios.»

Este proyecto se creó por primera vez para el Kunsthistorische Museum de Viena en 2020. TONO celebra su estreno en México. Esta presentación de la obra de Tino Sehgal es una colaboración con el museo MAZ, donde el artista acaba de clausurar una exposición.

Se presentará en Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo los días 6 y 7 de marzo y en Casa De La Acequia de las instalaciones los días 8 y 10 de marzo.

«This Joy» es una realización de Vera Pulido, Justin Kennedy y Zuriñe Benavente, con el apoyo en la producción de Cora Gianolla.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: 13 h

Entrada: Gratuita

En cada festival, TONO colabora con un museo internacional en la programación de proyecciones. TONO ha trabajado con el MMCA de Seúl, el MoMA de Nueva York y el PAMM de Miami. Este año, Rosalia Namsai Engchuan, curadora de imágenes en movimiento de la Bangkok Kunsthalle, ha sido invitada a proponer un programa.

Esta selección colectiva de artistas tailandeses se titula «Training Grounds» (Campos de entrenamiento) y explora las formas en que el poder actúa de manera sutil y silenciosa, pero cada vez más poderosa, a través de la repetición, la monumentalización, la ritualización, la captura de sueños externos y las presiones inherentes al capitalismo que agotan la vida. A través del ocio, la educación, la fantasía y la extracción, el programa se mueve entre cuerpos especulativos, performativos, enérgicos, físicos y oníricos y los espacios por los que se mueven.

Hay obras de Montika Kham-on, Oat Montien, Tulapop Saenjaroen, Harit Srikhao, Wannawat Suwannarath y Chulayarnnon Siriphol.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: 6 pm 

Entrada: Gratuita

YOBS es una investigación multifacética y en constante evolución de Space Afrika sobre cómo las estructuras de poder determinan quién es visto, cómo y en qué condiciones. YOBS, un estudio sobre el movimiento y la restricción, la intimidad y la distancia, invita a los espectadores a navegar por los límites de la percepción, entre lo visible, lo invisible y el sistema que gobierna ambos. YOBS se experimenta como un evento específico del lugar que fusiona un espectáculo audiovisual en directo del mismo nombre, una instalación sonora y una proyección de películas, con composiciones originales de Space Afrika entrelazadas con obras visuales inéditas y material filmado. Más allá de la «no actuación», el dúo de Mánchester transporta al público a espacios paralelos de contemplación y desaparición.

Tiempo: 19 h

Entrada: Gratuita

El proyecto coreográfico de un año de duración de Alexa West explora el patriotismo y el agotamiento a través de una fusión de movimientos atléticos, rituales Shaker y danza posmoderna desde la década de 1970 hasta la actualidad. En un entorno de plástico translúcido color aguamarina creado por CH & Herrero y al ritmo de implacables beats gabber, los bailarines actúan hasta el agotamiento físico.

JAWBREAKER se estrenó en Nueva York en PAGEANT y más tarde en 99 Canal. 99 Canal, un estudio y programa público gestionado por artistas situado en el Bajo Manhattan, Nueva York, apoya la presentación en TONO.

Interpretada por Cayleen Del Rosario, Benin Gardner, Amelia Heintzelman, Molly Ross e Isa Spector
Diseño escénico de Adam Charlap Hyman | CH & Herrero
Diseño de farolas de Harrison Milne y fabricación de Yunque Studios

Foto: Kayhl Cooper

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: 19 h

Entrada: Gratuita

El proyecto coreográfico de un año de duración de Alexa West explora el patriotismo y el agotamiento a través de una fusión de movimientos atléticos, rituales Shaker y danza posmoderna desde la década de 1970 hasta la actualidad. En un entorno de plástico translúcido color aguamarina creado por CH & Herrero y al ritmo de implacables beats gabber, los bailarines actúan hasta el agotamiento físico.

JAWBREAKER se estrenó en Nueva York en PAGEANT y más tarde en 99 Canal. 99 Canal, un estudio y programa público gestionado por artistas situado en el Bajo Manhattan, Nueva York, apoya la presentación en TONO.

Interpretada por Cayleen Del Rosario, Benin Gardner, Amelia Heintzelman, Molly Ross e Isa Spector
Diseño escénico de Adam Charlap Hyman | CH & Herrero
Diseño de farolas de Harrison Milne y fabricación de Yunque Studios

Foto: Kayhl Cooper

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: 12 – 2 pm 

Entrada: Gratuita

Un tiempo de libertad en que el mundo había sido posible es una videoinstalación comisionada por Museo Jumex y el Museo de Arte de Zapopan (MAZ) de la artista inglesa-mexicana Melanie Smith, cuyo título proviene de una frase del cuento “Axolotl”, del escritor Julio Cortázar, para presentar su propia lectura y acercamiento a estos anfibios. La artista, frente a la interrogante de la pintura y la representación, estudió a los ajolotes en una investigación con la bióloga Eria Rebollar y la curadora Helena Chávez Mac Gregor, intentando vislumbrar qué imagen de ellos se puede producir hoy.

Los ajolotes fueron representados en códices desde tiempos mesoamericanos, y fueron investigados, entre otros, pero de manera muy importante, por el pintor José María Velasco. Aparecen también en el Cárcamo de Dolores, mural de ingeniería hidráulica de Diego Rivera, y fueron la obsesión del artista surrealista Wolfgang Paalen. En estas imágenes los ajolotes aparecen como deidad, objeto de investigación naturalista, símbolo o alegoría. En la actualidad, al tiempo que se extinguen de su hábitat natural, la imagen del ajolote se propaga exponencialmente en billetes, muñecos, playeras, llaveros y propaganda, como mercancía cultural e imaginario de la identidad de la Ciudad de México.

A Smith le intrigan los ajolotes como superficie. Como campo de negociación desde las membranas, entre lo interno y lo externo, entre diferentes escalas, en tanto pantalla de proyección y su inevitable escamoteo de cualquier identidad. Con esta muestra, Smith propone una animación que especula sobre un mundo donde los ajolotes flotan más allá de peceras y sus cuerpos de agua, mientras que, por otro lado, el espectador —en una especie de cuarto de control, como aquellos que miran hacia el espacio exterior—contempla una serie de registros visuales sin saber si los anfibios están adentro o afuera, si son parte de este mundo, si es algo remoto o por venir. Smith invita así a imaginar un tiempo de libertad en que el mundo había sido posible.

Exposición organizada por el Museo Jumex
Curaduría: Helena Chávez Mac Gregor, curadora invitada

Melanie Smith es miembro del Sistema Nacional de Creadores.
Helena Chávez Mac Gregor es Investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM

Como parte del Festival TONO, habrá una serie de charlas el 14 de marzo, de 12 a 14 h.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: 16 – 18h

Entrada: Gratuita

Como parte de la presentación de la obra Save the Last Dance for Me, de Alessandro Sciarroni, se ofrecerá un taller gratuito.

Las plazas son limitadas. Para cualquier consulta, envíe un correo electrónico a info@tonofestival.com

Esta danza, que se remonta a principios del siglo XX, es un baile de cortejo típicamente interpretado por hombres, que se abrazan y giran mientras se inclinan hasta el suelo. Sciarroni ha creado una actuación a dúo y una serie de talleres de transmisión para promover y revivir esta tradición, que en su día fue muy popular, pero que ahora se encuentra en peligro de extinción. Esta presentación y taller cuentan con el apoyo de Dance Reflection by Van Cleef & Arpels.

Tiempo:  13 – 13:30 h

Entrada: Gratuita

Save the Last Dance for Me es una creación de Alessandro Sciarroni que explora la Polka Chinata, una danza folclórica italiana.

Con orígenes a principios del siglo XX, es una danza de cortejo típicamente interpretada por hombres, que se abrazan y giran mientras doblan las rodillas hasta el suelo. Sciarroni creó una actuación a dúo y una serie de talleres de transmisión para promover y revivir esta tradición, que en su día fue muy popular y que hoy en día está en peligro de extinción. Esta presentación cuenta con el apoyo de Dance Reflection by Van Cleef & Arpels.

Concepto ALESSANDRO SCIARRONI

Con GIANMARIA BORZILLO y GIOVANFRANSCECO GIANNINI

Colaboración artística GIANCARLO STAGNI

Música AURORA BAUZÀ y PERE JOU (TELEMANN REC.)

Estilismo ETTORE LOMBARDI

Dirección técnica VALERIA FOTI

Técnico de gira COSIMO MAGGINI

Comisariado, promoción y asesoramiento LISA GILARDINO

Administración y producción ejecutiva CHIARA FAVA

Comunicación PIERPAOLO FERLAINO

Producción MARCHE TEATRO Teatro di Rilevante Interesse Culturale (IT)

Coproducción Santarcangelo Festival (IT) | B.Motion (IT) | Festival Danza Urbana (IT)

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: 16 – 18h

Entrada: Gratuita

Como parte de la presentación de la obra Save the Last Dance for Me, de Alessandro Sciarroni, se ofrecerá un taller gratuito.

Las plazas son limitadas. Para cualquier consulta, envíe un correo electrónico a info@tonofestival.com

Esta danza, que se remonta a principios del siglo XX, es un baile de cortejo típicamente interpretado por hombres, que se abrazan y giran mientras se inclinan hasta el suelo. Sciarroni ha creado una actuación a dúo y una serie de talleres de transmisión para promover y revivir esta tradición, que en su día fue muy popular, pero que ahora se encuentra en peligro de extinción. Esta presentación y taller cuentan con el apoyo de Dance Reflection by Van Cleef & Arpels.

Tiempo: 13 h

Entrada: Gratuita

En cada festival, TONO colabora con un museo internacional en la programación de proyecciones. TONO ha trabajado con el MMCA de Seúl, el MoMA de Nueva York y el PAMM de Miami. Este año, organizado en colaboración con la curadora de imágenes en movimiento de la Bangkok Kunsthalle, Rosalia Namsai Engchuan, este programa presenta dos obras de imágenes en movimiento de la artista Jeanne Penjan Lassus, afincada en Bangkok: a part of us exposed (2025) y What sways (2024).

A part of us exposed (2025) se inspira en el poema Contact Lenses, de Audre Lorde, y nos invita a mirar profundamente en nuestros ojos. A sentir la distancia que existe dentro de la propia vista: las capas y el espacio que separan lo que tenemos delante de lo que se imprime en nuestra retina y se traduce en nuestra mente. A sentir esa distancia y sentir cómo desaparece. Rodada en Isaan, la región nororiental de Tailandia, a lo largo del río Mekong, What sways intenta sintonizar al espectador con el ritmo de la ribera. Adoptando diferentes puntos de vista —encarnados y luego flotantes; de una criatura, de un humano, de una planta—, el público llega a habitar el espacio liminal a través de diferentes formas.

La proyección será presentada por el comisario y seguida de una sesión de preguntas y respuestas con el artista.

Tiempo: 6 pm 

Entrada: Gratuita

La compositora y vocalista FRANKIE, también conocida como Franziska Aigner, con sede en Berlín, y el productor dominicano-estadounidense Kelman Duran se conocen en la iglesia Twelve Apostles, en el distrito berlinés de Schöneberg, en algún momento de 2022, al comienzo de la primavera. A cada uno de ellos se les pidió que se involucraran con la solemnidad y la reverencia del espacio a través de actuaciones distintas. Su encuentro fortuito, lleno de curiosidad mutua por las prácticas del otro, allanó el camino para una colaboración de varios años que culminó en McArthur, su primer álbum conjunto. Tras un periodo de intercambio de fragmentos musicales y sugerencias a distancia, Aigner y Duran se reunieron en Atenas y, más tarde, en Los Ángeles, para preparar el material del álbum, desarrollando poco a poco una obra inspirada en inquietudes compartidas y un compromiso con lo inconexo y lo residual. Aigner describe su proceso como escribir «en el espacio negativo» de los ritmos de Duran, rellenando, si no revitalizando, sus golpes y inflexiones, pero sin reordenar la integridad del conjunto. El resultado es un álbum en el que el tiempo y la geografía se vuelven elásticos, y en el que las improvisaciones sonoras se convierten en un lugar para articulaciones tranquilas y crípticas de intimidad.

En toda la obra de McArthur hay una obstinada, por no decir militante, negativa a alcanzar la plenitud, y una insistencia en encontrar potencialidad en los umbrales. Si la incognoscibilidad y el miedo a la extinción parecen dominar nuestra coyuntura actual, entonces una banda sonora digna de ese nombre debería expresar un compromiso decidido y una generosa sintonía con las contradicciones en juego.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Tiempo: 19:30 h

Entrada: con boleto del museo

“Rafael Lozano-Hemmer: Jardín inconcluso” se exhibirá del 11 de febrero al 25 de abril de 2026 en el Museo de Arte Moderno de México (MAM). Para esta noche especial, Lozano-Hemmer colaborará con Eli Keslzer en una activación musical de la obra.

Esta gran exposición reúne nueve instalaciones interactivas que responden al calor, la voz, el pulso y el movimiento del público. Lozano-Hemmer hace perceptibles fenómenos invisibles, como la energía térmica que se dispersa en partículas errantes; la voz convertida en patrones de sonido y luz o corrientes digitales turbulentas alimentadas con poemas en lenguas indígenas que fueron compartidos por sus escritoras. Además del artista, veintiún personas participaron en la creación del proyecto, que incluye tres instalaciones inéditas, así como obras recientes que han sido reconfiguradas para habitar el MAM y entrar en diálogo con su arquitectura, su colección y jardín escultórico. El título de la exposición señala su eje conceptual: lo “inconcluso”, entendido más como una postura crítica que rechaza el cierre y la totalización, que como una carencia. Para el artista lo inconcluso representa, además, una esperanza.

“Mis obras se caracterizan por estar inconclusas y fuera de control… Dependen de la participación para existir, y eso puede resultar profundamente revelador. Delegar responsabilidad al público es una decisión conceptual, pero también política: un reconocimiento de que el significado no puede encontrarse sin la interacción”, afirmó.

TONO colabora con el artista y el museo en una presentación especial durante el festival.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00

Tiempo: 15 – 17h 

Entrada: Gratuita

TONO anuncia una colaboración con el Neue Nationalgalerie PERFORM! Festival de Berlín como parte del programa de clausura del Festival TONO 2026. Como evento final del festival, únete al directora de TONO, Sam Ozer, y al director de la Neue Nationalgalerie, Klaus Biesenbach, en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo el domingo 22 de marzo, de 15 a 17 h, para brindar por el final de TONO en México y mirar hacia las próximas colaboraciones en Berlín. Durante el evento tendrá lugar una actuación del artista Avantgardo, afincado en Ciudad de México.

A las 4 de la tarde, únete a los artistas de TONO 2026 Franziska Aigner (FRANKIE), Avantgardo, Kelman Duran, Eli Keszler, Jeanne Penjan Lassus, Rafael Lozano-Hemmer, Joshua Tarelle Reid (Space Afrika) y Kianí del Valle para una conversación con los curadores Sam Ozer y Fabiola Talavera.

Las bebidas serán proporcionadas por 1800 Tequila.

Tiempo: Horario del museo

Entrada: con el boleto del museo

La videoinstalación multicanal del artista singapurense Ho Tzu Nyen, Hotel Aporia (2019), transforma una serie de galerías del Museo Amparo en un ryokan o posada japonesa. Al llenar el ficticio “Hotel Aporia” de la Segunda Guerra Mundial con conversaciones de figuras a través del tiempo —el posadero del Kiraku-Tei donde el proyecto se exhibió por primera vez, pilotos kamikaze de la Segunda Guerra Mundial, filósofos de la Escuela de Kioto, los cineastas ya fallecidos Ryuichi Yokoyama y Yasujiro Ozu, así como el artista y su equipo de colaboradores—, Ho reúne una multiplicidad de voces para explorar un momento histórico de Japón en el que el nacionalismo y la producción cultural convergieron para servir a los intereses imperiales. Al entrelazar personajes históricos con figuras contemporáneas, Ho ofrece una perspectiva de la historia que está siempre presente en un proceso de reciclaje y transformación en constante evolución.

Ho concibió esta obra originalmente para la Trienal de Aichi de 2019 como una respuesta de sitio específico a una posada tradicional construida en la ciudad de Toyota, prefectura de Aichi, durante el periodo Taisho. Aunque fue frecuentada por comerciantes de seda antes de la Segunda Guerra Mundial y por la industria automotriz de Toyota después, el lugar fue sede del último banquete de la Unidad Kusanagi, un escuadrón de pilotos kamikaze del Cuerpo Aéreo de la Armada de Nagoya, antes de su misión fatal a Okinawa. Tras la guerra, sus familias se reunieron en la posada para una última conmemoración de duelo. La instalación reúne imágenes de documentales de ese periodo, además de escenas de Ozu y Yokoyama. Como parte de misiones de propaganda, Ozu fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés y enviado a Singapur para hacer películas, y Yokoyama a Indonesia. Mientras que Ozu nunca terminó su película y aquí se incluyen escenas de su obra de 1949 Primavera tardía (Late Spring), Yokoyama creó El submarino de Fuku-chan (1944), en la cual el personaje Fuku-chan, quien aparece en la instalación, es enviado a la guerra en un submarino.

Además de hilvanar estas fuentes visuales, Ho difumina los rostros de los personajes y hace circular un viento artificial por las galerías, creando un collage histórico y una sensación de viajar vertiginosamente en el tiempo. Se vuelve más fácil imaginar a personajes de toda la historia, e incluso rostros contemporáneos, llenando los encuadres; un gesto artístico que funde el pasado y el presente en uno solo. Si bien Ho presenta momentos catastróficos de una historia imperial específica, no nos permite dejar la historia en el pasado; más bien, ilumina cómo el presente está entrelazado con estos rastros. A medida que nos adentramos en la obra y atravesamos los cuatro capítulos —Las olas, El viento, El vacío y Los niños— aprendemos también sobre la perspectiva de Asia Oriental respecto al vacío, entendido no como una carencia, sino como pura posibilidad.

Del 13 al 22 de marzo, Space Afrika activará una pieza ambient en el Espacio Sonoro de Casa del Lago UNAM.

La obra intitulada pone en evidencia el amplio bagaje musical del dúo inglés, articulando de manera sutil ambient experimental, dub y techno, entre otras derivas sonoras contemporáneas. El resultado es un equilibrio delicado de capas y texturas que dialogan orgánicamente con el entorno, integrándose con los sonidos de aves, animales y de las personas que transitan el recinto, y ampliando así la experiencia de escucha situada.

Space Afrika, el dúo de Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang, es considerado innovador en la música electrónica, ya que fusiona géneros como UK dance, ambient, alternative, trip-hop, pop, así como música clásica, contemporánea y experimental. Como productores, compositores contemporáneos, artistas visuales, performers y anfitriones de NTS Radio, Tarelle e Inyang son reconocidos por su sonido que desafía las categorías de género. El dúo ha publicado dos álbumes aclamados por la crítica: Somewhere Decent to Live (sferic, 2018) y Honest Labour (Dais Records, 2021), este último encabezó la lista de Álbum del Año de Resident Advisor y obtuvo dos nominaciones en DJ Mag como Mejor Acto en Vivo y Mejor Álbum.

La obra se activa a determinadas horas:

Viernes 13 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 14 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 15 de marzo | 13:00 y 16:00
Jueves 19 de marzo | 13:00 y 16:00
Viernes 20 de marzo | 13:00 y 16:00
Sábado 21 de marzo | 13:00 y 16:00
Domingo 22 de marzo | 13:00 y 16:00